Estilos escultóricos

Cuando un artista ha logrado imprimir a sus obras, algunas características que reflejan facetas de su personalidad, aun en las diferentes formas, y estas características se mantienen a través del tiempo, en las distintas piezas logradas, puede decirse que ha concretado un estilo personal. Ese sello personal, de su intima creación, que no es imitación, y que se mantiene constante en su hacer, se llama estilo y es consecuencia de su educación, de sus posibilidades de tratar la materia de su obra, de su creatividad y también de la incidencia de la sociedad donde se desenvuelve, ambiente, influencias sociales, culturales, psicológicas.

Sin perjuicio de lo expuesto y apelando a especificaciones mas ortodoxas podemos distinguir como estilos, a los siguientes:

1.- Clásico o figurativo: arranca en la época de los griegos, se destaca por expresar una realidad cruda y detallada, que logra belleza en las formas y trasunta poesía en su temática y expresiones. Se renueva con características similares en la época del renacimiento, de la cual MIGUEL ANGEL, es su mayor exponente, con sus monumentales obras “Moisés” y “David”, que constituyen el asombro del mundo de todos los tiempo y que jamás serán superadas. En la época moderna el francés Rodin, es quien mantiene sus lineamientos y jerarquía.

2.- Estilizado. Es una idealización de la figura, prescinde de detalles concretos pero conservando la esencia, y buscando un aire poético y etéreo, dejando espacio para que el observador ejercite su imaginación en la apreciación de la obra y su valoración. Hay a veces, elongación de las formas y supresión de detalles inoperantes.

3.- Facetado. Es un complemento del anterior. Las facetas conservan los volúmenes originales fundamentales, y con sus planos y aristas, bien orientados, otorgan fuerza a la figura, elegancia y marca los ritmos y énfasis que propone el autor.

4.- Síntesis. Hay supresión de detalles anecdóticos, son formas simples que responden a lineamientos básicos originales y tienden generalmente, mas que a la forma, a la expresión, al movimiento, al mensaje que el autor ha querido trasuntar. No están exentas de ritmo, equilibrio y originalidad.

5.- Semi abstracto. Es una deformación voluntaria de la realidad, que responde mas que nada, a la idiosincrasia del autor, a sus vivencias, a sus emociones y su contacto con el medio social donde se desenvuelve. Esas deformaciones, no son absolutas, porque en alguna medida, permiten identificar la figura con alguna forma de la realidad.

6.- Abstracto. Es la creación de un objeto independiente, que no responde a las formas reales, sino mas bien a las inquietudes de quien las ejecuta. No tiene relación con la realidad materia, sino con lo imaginativo, lo esotérico, lo desconocido, lo surreal.

Su belleza estriba en los ritmos, en sus líneas, en sus volúmenes, en la distribución de sus vanos y en el acertado de sus formas. La imaginación del observador, es fundamental para su apreciación.

7.- Normales cuando las figuras respetan sus formas y proporciones aunque toleran algunas pequeñas deformaciones, especialmente en lo que hace al alargamiento o elongación de la figura.

8.- Grotesco. Cuando hay una deformación evidente de la figura y se realza alguna parte que se quiere destacar como lo mas importante del tema. Se alejan de la realidad pero suelen ser muy expresivas e interesantes. El mayor cultor de este estilo, es el santafesino JUAN DE DIOS MENA, autodidacto, de principios del siglo pasado, que resume toda su obra, muy proficua, y apreciada, en la ciudad de resistencia, (chaco) en una institución cultural llamada “El fogón de los arrieros”.

Tipos de Talla

  La talla puede ser:

1.- Bidimiensional         

1.1 Bajorrelieve

1.2 Altorrelieve

1.3 Huecorrelieve

 2.- Tridimensional         

2.1 Formas Naturales

2.2 Talla normal

2.3 De vestir

2.4 De bastidor

2.5 Tablas encoladas

1.1 Bajorrelieve. Llamase así a aquellas tallas que se expresan en un plano con poca profundidad en los distintos matices, donde las figuras no emergen del fondo total más de la mitad de sus formas naturales. En un mismo bajorrelieve pueden distinguirse varios planos en función de la perspectiva, pero siempre de muy poca profundidad.

1.2 Altorrelieve. Siempre es ejecutado sobre un plano principal, pero sus figuras son emergentes, logrando sobresalir del fondo, mas de la mitad de su volumen total.

2.3 De vestir. muy utilizado en la escultura mística, o de la iglesia. Se trata el bloque con las formas genéricas. Y se trabajan con detalles, la cabeza, las manos y los pies. Se cubren luego con vestiduras adecuadas y representan así las imágenes religiosas que vemos en muchas iglesias.

2.4 De bastidor. Similar a las anteriores. Se confecciona con hierros, alambres y madera rellenos, y trapos, las formas generales de la figura y se tallan la cabeza, las manos y los pies que ensamblados estratégicamente, son las únicas partes que emergen de la vestiduras que ostentan.

2.5 Tablas encoladas. Cuando los tamaños de los bloque no responden a la necesidad. o cuando se cuenta con tablas para una escultura, pueden ensamblarse varias de ellas, que bien encoladas y  bien prensadas, conforman un volumen necesario para lograr la forma adecuada. Es conveniente, al hacer los bloques, estudiar las líneas de las vetas, color, etc. para que la combinación, en forma definitiva, no sea chocante a la vista y si sugestiva.

  Etapas de una escultura

 1.  El tema

1.1  La idea.

1.2  El boceto.

1.3  La maqueta.

 2.  La elección del tronco.

Medidas, color, betas, estructura, defectos, nudos, rajaduras, etc.

 3. Desbaste Primario

A base de motosierra o cierra circular.

 4. Desbaste de Aproximación

Peinado con circular o martillo electroneumático.

 5. Embloque

Buscar formas,  proporciones, medidas como volúmenes. Utilizar gubias y sierra para peinar.

 6. Formas Definitivas

Con gubias y escofinas.

 7.  Tratamiento de Superficie.

Lisa

Rayada

Graneada

Acanalada

Natural

 8.  Pulimento y Terminado

Natural

Encerado.

Coloreado

Estucado

Policromado

Lustrado

Barnizado